Realizado por: José Otto Prieto, Luz Marina Moreno y Andrews Guerra.
martes, 29 de julio de 2014
domingo, 25 de mayo de 2014
MÚSICA EN EL RENACIMIENTO
La Edad de Oro de la Polifonía
Entre las escuelas más representativas de este periodo se encuentran la francesa, la inglesa y la alemana, aunque la mayor exponente fue la escuela italiana de la cual derivó la “Escuela de Europa” en cuyo seno se formo y enseño posteriormente Giovanni Pierluigi da Palestrina, considerado el principal maestro de la música coral creador de la “Escuela Romana”.
Fue durante esta época Renacentista en la cual se originaron y desarrollaron diversos géneros musicales de vital importancia.
El Madrigal
Había otros géneros como la balada que se
acompañaban del tañido del laúd. De estas canciones populares en polifonía
surgió el madrigal, que Monteverdi volvió a juntar con los
instrumentos luego de un período de contrapunto a capella, al estilo del motete. El género
nació con el florentino Casella y sería desarrollado
brillantemente por los compositores franco-flamencos que le dieron continuidad
hasta el siglo XVII. Sus compositores más destacados fueron Orlando
Lasso, Palestrina, Andrea
Gabrielli, Willaert, Arcadelt, Verdelot, De Monte, De Rore, Cario Gesualdo, Luca Marenzio y
Monteverdi.
La Antesala y los Inicios de la Opera
Nace
en el renacimiento, particularmente en la ciudad de Florencia. Fue producto del
intento de resucitar la “Tragedia Griega”, además por la necesidad que tenían
los compositores de implementar un género musical el cual fuese capaz de
expresar textos de forma adecuada y conmovedora infundiendo drama y música a
las obras teatrales.
Los primeros intentos operísticos fueron burdos, siendo considerados por muchos como un género más bien literario que musical, puesto a que la música aparecía casi de manera poca e incidental dentro den sentido artístico de la obra teatral.
La “Camerata Florentina” fue la encargada del estudio de la drama y la música del mundo griego antiguo, entretanto, otros grupos también se advocaron al estudio de la Tragedia Griega, sin embargo, pese a que los estudios se basaban en el mundo antiguo las primeras manifestaciones operísticas fueron más pastoriles que trágicas, es durante este contexto de estudio e implementación que surge la adaptación renacentista de “Dafne” considerada la primera ópera, además, posteriormente surgen otras operas con representaciones de personajes mitológicos griegos como Apolo y Orfeo, siendo este ultimo imagen de la música.
Una de las principales figuras dentro del arte operístico renacentista fue Claudio Monteverdi, quien impuso en sus obras la mayor expresividad de vivencia además del ímpetu y riqueza en tonalidad, enmarcado en hitos de su juventud formado dentro de los madrigales; sobreviven tres obras representativas de su composición las cuales (al igual que otros compositores de su época) se basan en los mitos de Orfeo y Eurídice, y otros personajes como Ariadna y las ninfas, sin embargo, entre sus obras también se incluye L’incoronazione di Popea, la cual contiene personajes cómicos cuyas escenas anticipan la posterior opera buffa.
La opera durante mucho tiempo fue reservada para las cortes nobles, cambiando esto consecuentemente a ser espectáculos dramáticos públicos al ir apareciendo los primeros teatros operísticos; la opera durante los siguientes periodos seguiría adaptándose y evolucionando.
La Música Instrumental
Siendo un hito durante el
renacentismo la música instrumental entra en escena después de ser marginada
durante mucho tiempo, es durante esta época que se inicia la composición
musical puramente instrumental para deleite auditivo apartándola de los
escenarios operísticos, fue desarrollada plenamente en el ámbito profano puesto
a que, a nivel religioso, se siguió implementando la interpretación coral
manteniéndose la prohibición de instrumentos dentro de los actos religiosos.
Principalmente se adaptaban piezas de índole coral para ser interpretadas por instrumentos polifónicos como el órgano, en otros casos se implementaba la improvisación a partir de una melodía dada o sencillamente dada sobre la marcha, a raíz de esta se origino también las repeticiones y variaciones de temas sencillos y la interpretación de piezas especialmente creadas para fines dancísticos.
La interpretación de música instrumental se adapto a diversos tipos de instrumentos, aunque los que mayor auge tuvieron fueron aquellos polifónicos, los instrumentos de tecla, el órgano y el clave anteriores al pianoforte; la música coral fue reescrita para dichos instrumentos, los cuales calaron en distintos ámbitos sin fines eclesiásticos, como reuniones formales, academias y cortes, por lo cual fue adquiriendo cada vez más un público mayor y conocedor, sin embargo, no sería sino hasta el periodo Barroco en que se alcanzaría el mayor auge de la música instrumental.
Cabe destacar que el inicio y emancipación de la música instrumental se dio especialmente gracias a la creación de la imprenta, por medio de la cual se pudieron reproducir diversas composiciones y temas, llegando así a mayor numero de músicos y posibilitando el acercamiento de un público en general interesado en aprender sobre música y sobre la ejecución de instrumentos.
El Laúd
Fue un instrumento de cuerda muy
utilizado entre los siglos XIV y XVIII y que ha resurgido en el siglo XX.
También designa a todo instrumento en el que las cuerdas se sitúan en un plano
paralelo a la caja a lo largo de un mástil saliente.
Praeludium - John Dowland - Laud Renacentista
El laúd se introdujo en la Europa medieval desde la cultura árabe como instrumento de púa, con cuatro pares de cuerdas. Su antecedente fue el 'ud que hoy es un instrumento sin trastes, pulsado con plectro y con dos a siete cuerdas dobles. Están relacionados con el 'ud y con el laúd la cobza rumana, la mandolina y la mandola medieval. Éstos se parecen en general a los laúdes de mástil corto surgidos en el Próximo Oriente en torno al 700 a.C. Con una expansión tanto al este como al oeste, tales laúdes evolucionaron hacia el pipa chino y el biwa japonés. En Mesopotamia hacia el 2000 a.C. se conocieron laúdes de cuerpo poco profundo y mástil largo. Ejemplos modernos incluyen el bouzouki griego y el samisen japonés.
Los laúdes, como otros instrumentos renacentistas, componían una familia de diferentes tamaños, afinados en función de su tiro para poder tocar a dúo, trío o cuarteto. Praetorius nos habla de siete tallas diferentes de laúd, con sus afinaciones respectivas: pequeño laúd a la octava en D o C, pequeño laúd soprano en B, laúd soprano en A, laúd alto en G, laúd tenor en E, laúd bajo en D, laúd contrabajo en G.
Los instrumentos de la familia del laúd se construyen en Europa durante quinientos años y sufrieron muchos cambios estructurales y estilísticos. Por ejemplo, un Laúd de Laux Maahler, que se construyó en Bolonia en 1520 con seis órdenes pudo haberse cambiado a siete órdenes al final de los 1500, en 1620, en París se aumentó a diez órdenes con una mayor longitud de cuerdas ( nuevo mástil ). En 1640, se convirtió a laúd barroco de once órdenes, con nueva afinación terminó en Copenhague en 1730 como Laúd barroco de 13 órdenes o tal vez como una tiorba. Otro ejemplo es un Laúd de once órdenes construido en Leipzig por Martin Hoffman en 1630. Luego, en 1730 se aumentó a trece órdenes en Praga y terminó en Viena en 1780 con un angosto y largo mástil de guitarra con trastes metálicos, seis órdenes y tocado como mandora.
La Vihuela
La vihuela es un instrumento de
cuerdas similar a la guitarra que jugó durante el siglo XVI en España un papel
similar al del laúd en el resto de Europa. Los vihuelistas españoles legaron
una importante colección de obras de gran calidad para este instrumento.
Pavana de Alexandré - Música para Vihuela - Alonso Mudarra
El sistema de escritura musical
utilizado por los vihuelistas durante el renacimiento es conocido por el nombre
de tablatura. Este sistema es utilizado aun hoy día por personas que no conocen
el sistema de escritura tradicional, además, los vihuelistas acostumbraban a
demarcar el tiempo de sus obras con descripciones o con símbolos parecidos a
los de la notación musical actual.
La edición de partituras comprende un hito dentro del contexto musical que durante siglos se mantuvo obligatoriamente reservado a composiciones y reproducciones manuscritas, Hacia el 1400 comienzan a utilizarse las técnicas de impresión en Europa. Lo primero que utilizaron fueron los bloques de madera tallados (xilografía) y embadurnados con tinta, utilizados principalmente para reproducir imágenes religiosas y juegos de naipes.; hecho que cambió debido a una de las invenciones más relevantes de la historia de la humanidad: “La Imprenta”.
LA MÚSICA EN LAS ALTAS CULTURAS DEL MUNDO ANTIGUO
La Música en Mesopotamia y la antigua Egipto
Por más que se tenga un registro histórico de la evolución de la música en el mundo no se cuenta con evidencia comprobada del momento exacto de su aparición en la cultura humana, se cree que las primeras manifestaciones musicales humanas surgieron como medida imitación a los sonidos de la naturaleza, como los trinos de las aves, el tronar del relámpago, el ruido de los ríos al chocar contra las piedras entre otros.Los pueblos de la antigüedad tenían sistemas e instrumentos musicales, la música fue usada por estos casi particularmente para rendir tributo a las divinidades propias de dichas poblaciones y era mayoritariamente resguardada por los sacerdotes o representantes religiosos.
En
lo general, como en lo musical, Egipto y Mesopotamia fueron los cimientos de la
cultura y conocimiento occidental; en Egipto se utilizaba la escala de siete
notas, siendo ejecutada y custodiada por los sacerdotes al suponer la música
como de origen divino, en las manifestaciones musicales egipcias se
entremezclaban los sonidos con los movimientos corporales al celebrarse
festividad religiosa alguna, en estas los egipcios debían acompañar con sus
movimientos las tonadas musicales ofrecidas en honor a sus dioses y
divinidades, no existen registros escritos de la música egipcia puesto a que
esta se transmitía oralmente, sin embargo si se han encontrado bajorrelieves y
pictografías en las cuales se evidencia la mezcla de música, texto y movimiento.
Entre los instrumentos de la era egipcia se puede encontrar el arpa, el arpa de
caja baja, flautas y chirimías dobles (una suerte de oboe doble), además de
instrumentos de percusión como las carracas, crótalos y sistros, utilizando los
movimientos de las manos para señalar la ondulación de la música.
En
la cultura mesopotámica se utilizaba la música como forma ritual, mezclando la
danza con esta, los músicos generalmente eran personas de gran prestigio y
acompañaban a los monarcas en situaciones de cultos, celebraciones y guerra.
Entre los instrumentos favoritos de los mesopotámicos se encuentra el arpa, sin
embargo es de notaria importancia el desarrollo de la lira, las liras de Ur son
consideradas los instrumentos de cuerda más antiguos del mundo, también era
frecuente el uso de flautas, chirimías y trompetas, sistros y vasijas de bronce
eran utilizados como instrumentos de percusión. Esta civilización utilizaba la
armonía con acordes y la escala musical era muy similar a la usada en la actualidad.La música en Asia menor es distinguible en cuanto a que se preservan ejemplos escritos de ella, como es el caso del Himno de Ugarit, considerada la canción más antigua del mundo, se encontraron tablillas que contenían de forma escrita esta canción, conformada en dos partes, estas tablillas contienen en su parte superior la letra en escritura cuneiforme y la inferior la cual contiene la marcación musical, además de poseer instrucciones de como acompañar dicho himno con el arpa.
 |
| EL Himno de Ugarit, considerada la "Partitura" mas antigua del mundo. |
La música griega
Es considerada una de las más antiguas manifestaciones del mundo, se remonta incluso a 2.800 a.c, se conocen de la música de esta civilización muchos tratados teóricos pero muy pocas melodías, en conjunto, la música fue representada como una manifestación que engloba muchas facetas artísticas, como la danza, la poesía y los movimientos gimnásticos y fue estudiada por diversos filósofos de la época; existen registros escritos de la poesía instaurada con la música, pero la melodía rara vez se transcribía, para los griegos no era importante dejar una representación melódica aunque desarrollaron la melodía grandemente.Al igual que con otras actividades, los griegos buscaban respuesta teórica a los fenómenos propios de la naturaleza, sus fines y verdadera importancia, este tipo de pensamiento en pro de lo teórico por supuesto también se presento a su vez en el ámbito musical; cabe destacar que las principales influencias musicales que tuvieron los griegos provenían de mesopotámicos y egipcios, al igual que estos últimos, en Grecia se conservó el sentido religioso de lo musical, sin embargo, paulatinamente al mantenerse el desarrollo filosófico de las artes, los griegos fueron enmarcando la música en el ámbito completo poblacional y cultural.
Pitágoras y Platón fueron los principales filósofos, pensadores y productores de teoría musical; durante el desarrollo musical griego se obtuvo y puso en uso la escala natural, con funciones cromáticas, catónicas y enarmónicas, además de utilizarse más de cien escalas para las composiciones musicales; La escala fue producto de estudios que mostraban a la música como forma matemática y símil del universo.
Aunque los Griegos utilizaban más de 3400 instrumentos, los de mayor renombre e importancia fueron los Hydraulis (precursores del órgano de tubo), pandouides, guitarras (formas desarrolladas del laúd mas no idénticas a las actuales), liras, Varvytes, Xavyges, aulia y zoumades,
La música Hebrea
Entretanto se desarrollo influenciada de las anteriores culturas, es considerada continuidad a la música judía pero con desarrollo instrumental, al no existir un sistema de notación musical escrita la música fue transmitida oralmente, aunque lega el canto monódico a la posteridad.Los hebreos consolidaron esencialmente dos estilos dentro de su música, la entonación melismatica que consiste en leer textos bíblicos mediante una suerte de semi entonación que no llega a la vocalización melódica total, y la salmodia, que consiste en la lectura de los salmos con una nota central con breves ornamentaciones de la melodía para clarificar el inicio y final de los salmos; Como puede verse la música hebrea se baso principalmente en la glorificación divina litúrgica, condicionada por la aun incipiente cristiandad que se estaba gestando.
Los
instrumentos hebreos se dividían en tres grupos, y generalmente la división se
encontraba signada a la clase social, cuernos de animales y trompas para los
sacerdotes, el arpa y la lira eran usados por los levitas, los instrumentos de
viento como flautas y chirimías además de la percusión eran reservados al
pueblo.
ASPECTOS DE LA MÚSICA EN EL PERIODO BARROCO
La Música en el Periodo Barroco
Se
entiende como música barroca a aquella acontecida desde el 1600 con la
aparición del primer “Dramma in Música” florentina hasta 1750 con la muerte de
J.S Bach y es considerada una de las tradiciones musicales más importantes en
la historia de la música.El estilo musical barroco nace en Italia, aunque pronto se difundió por toda Europa teniendo auge y desarrollo en Francia, Alemania, España e Inglaterra, la música durante este periodo sigue dependiendo totalmente de la Iglesia, los reyes y la nobleza, quienes se encargaron de patrocinar las obras musicales nacientes con músicos más especializados que aquellos artistas del renacimiento. El uso de la tonalidad es afianzado al igual que los contrastes de tonalidad, cromatismos y dinámicas para hacer más atrayente la música al oído, aparece el estilo “Concerto” que contrasta a un solista y orquesta, este estilo se ve presente en la mayor parte de la música barroca como las sonatas, las suites y los conciertos.
Al igual que en otras artes del periodo barroco, la música se encuentra adornada y saturada de recursos técnicos y características en pro de embellecerla, se demuestra en las elaboradas operas, pasiones y oratorios con alto contenido teatral, coral, vocal y orquestal que mayormente servían para dar a ver lo excelso de aquellos quienes patrocinaban dichas presentaciones. Se observa la presencia del Bajo Continuo que podía ser ejecutado una voz o un instrumento de cuerda frotada o tecla de registro grave, este Bajo Continuo generalmente era interpretado por el director quien, no necesariamente se encontraba frente a la orquesta, sino que tocaba algún instrumento de tecla, esto le permitía llevar el control del desarrollo de la pieza y a su vez hacer improvisaciones y ornamentos.
La
música es guiada por la “Teoría del Afecto” de Florencia, esta dice que ella
puede trasmitir sentimientos y afectar el alma del oyente, en esto se apoyaron
los compositores para dar sentido a las piezas mediante contrastes y ritmos que
podían ser mecánicos o continuos, con uso de pulsaciones regulares y marcadas a
través de los compases. Con el creciente uso de las partituras y el claro
dominio del texto sobre la musica, la monodia y la homofonía afianzada desde
los madrigales llegaron a un alto nivel, además, se da origen a un importante
desarrollo operístico, la cual se convierte en un genero popular y fundamental
para el publico.Sobre la Música Religiosa en el Periodo Barroco
Durante
este periodo la música religiosa a perdido hegemonía, sin embargo se mantiene,
la iglesia católica y la protestante se valieron de las nuevas formulas de la
música profana para enriquecer sus repertorios.
El Estilo Galante
Conocido
universalmente como Rococó, en música el estilo galante fue un tramo del
periodo barroco cultivado en Francia que nace en contraposición al estilo
musical barroco, la música de este estilo se componía generalmente para el
entretenimiento de la corte y la nobleza, ensalzando los placeres de la vida,
sus géneros musicales más resaltantes fueron el divertimento y la serenata.
En
este estilo se destaca lo “Homófono”, siendo este el uso de una melodía
acompañada con acordes y ornamentada con adornos, el bajo pierde la esencia de
conducción e independencia contrapuntística y las voces medias compuestas solo
como relleno; las piezas se caracterizaban por ser fundamentadas en lo
decorativo y emocional conllevando a los espectadores a experimentar la
sensación de cambio de estados de ánimos y el dramatismo.
Ópera Seria
Describe
la mayoría de las operas más conocidas y tuvo su mayor arraigo entre los siglos
XVII y XVIII, nacida en Italia; su estructura generalmente consta de 3 actos en
los cuales se presentan temas de fuertes emociones, situaciones en los cuales
estaba presente la muerte, tragedias, asesinatos y suicidios; eran basadas en
asuntos de antigüedad clásica e históricos.
Tragedia Lírica
Es
una evolución de la ópera italiana ocurrida en Francia a comienzos del siglo
XVII. Es de la mano de Jean-Baptiste Lully que se crea la opera francesa o
tragedia lirica, la cual lidero el esquema operístico por más de un siglo, este
género poseía la seriedad de la ópera italiana con las presentaciones de danzas
y grandes coros franceses.La Opera Buffa
Surgió
como oposición a la tradicional ópera seria y a la tragedia francesa, con nuevo
contenido satírico y burlón, además de contener música chispeante y sin la
tragedia de sus contrapartes operísticas.El desarrollo de este género inicia en Venecia, sin embargo es en Nápoles que alcanza un punto alto, proviniendo de los “Intermezzi” cómicos que se acostumbraban a realizar entre los actos que componían las operas y de la “Commedia dell’arte” italiana.
La transformación de la opera buffa y su apogeo estuvo en las manos de Wolfang Amadeus Mozart, cuyas obras de este género más representativas fueron “Las Bodas de Fígaro”, “Don Giovanni” y “Cossi Fan Tutte” en lengua italiana.
Algunas de las características de la ópera bufa son: recitativos (partes habladas) más extensos y para hacerlos más inteligibles, escritos en la lengua del pueblo, no el latín o el alemán; temas laicos; "desacralización" de la música; y en algunos casos, uso de personajes muy conocidos.
Reforma Gluckiana de la Opera
- La música sirve a la poesía, a la expresión de los sucesos anímicos y externos.
- La música caracteriza personajes y situaciones. No es un fin en sí misma.
- La música debe ser sencilla y natural.
- Aparece el Recitativo Acompañado en sustitución del Seco acompañado por las cuerdas.
- El Coro se integra a la acción argumental.
- El Ballet también toma parte activa así como el Coro.
- La Obertura hace referencia a la acción del argumento.
- No deben existir estilos nacionales, la música ha de ser internacional.
LA MÚSICA EN LA EDAD MEDIA
La Música y los Primeros Cristianos
A partir de la influencia musical Greco-Romana y Hebrea se suscita la aparición de la música cristiana, también llamada Música Sacra, que definiría desde su origen la línea evolutiva de la música occidental.
En sus orígenes la música cristiana se correspondía con cantos, rezos y lecturas, de una manera discreta y restringida por el aspecto social dominante de la época debido a las persecuciones dadas al inicio de la nueva religión por parte de Herodes Agripa; Se destaca primeramente en estos orígenes el uso de la “Salmodia” o declamación melódica de salmos, entre los cuales se entonaban gritos de “Aleluya”, “Amen” invocaciones de “Gloria al Padre” los cuales posteriormente y en su sentido marcarían el curso de la historia musical cristiana (y occidental) cuando se implemento la “Misa”.
Al comenzar la persecución a los cristianos, estos se asentaron en diferentes poblaciones por agrupación, tanto en oriente como en occidente, consolidándose así la expansión del cristianismo por dichas regiones, cada una de esas agrupaciones creó su propia liturgia y manera de acontecer las “Salmodias”.
Hubo en este periodo dos grandes fuentes (formas) musicales derivadas de los estilos griegos y hebreos, la “Música Ambrosiana” y el “Canto Romano”, siendo de este ultimo que derivaría el “Canto Gregoriano”.
Durante el desarrollo de ambas fuentes la música cristiana (dentro de su mayor aspecto consolidado de música sagrada y de uso exclusivo de adoración), tuvo vital aspecto el desarrollo del “Canto Romano”, auspiciado especialmente por el Papa Gregorio I (el Magno), quien hizo que esta alcanzara su mayor perfección; Antes de ser Papa, Gregorio I participo en estudios y realización de la liturgia romana y la música bizantina, obteniendo gran conocimiento de esta, sobre todo al haber sido interprete de las piezas más difíciles del poco repertorio habido.
Canto de los primeros cristianos rito ambrosiano
sábado, 24 de mayo de 2014
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